Лекции по истории искусств

Античное искусство  (от лат. antiquus — древний) — исторический тип искусства. Античностью называют  эпоху Древней Греции и Рима

Материковая Греция представляет собой ряд относительно изолированных невысокими горными хребтами районов, каждый из которых имеет свои природные условия и неповторимый  пейзаж. Это обстоятельство способствовало сохранности отдельных и еще очень слабых  очагов цивилизации от истребительных войн и массового переселения народов, какое  имело место, к примеру, в степных районах Азии.

 Антропоморфизм мироощущения древних греков не столько был новшеством культа, сколько свидетельствовал о духовном рождении человека, свершившимся спустя, может быть, несколько миллионов лет после его физического появления на планете Земля. Отсюда величие  эллинского искусства, прежде всего — архитектуры и скульптуры как изображения  или, точнее, преображения одухотворенного человеческого тела.

Греческая скульптура архитектонична, а архитектура изобразительна, скульптурна. Границы между архитектурой, скульптурой, росписью, вазописью, торевтикой, глиптикой были относительны и подвижны, точно так же, как между конструкцией и внешней формой. Все было целостно и находилось в счастливом равновесии. Но эта гармония возникла  в результате длительного процесса художественного, образного осмысления первоначальных  утилитарных конструкций.

Ионийский стиль проникал в Афины в течение длительного времени с берегов Малой Азии через острова Эгейского моря не без влияния иолийского и крг.томикенского искусства.  Ионические волюты, зофорный фриз и, наконец, кариатиды — все эти элементы ионийского  искусства уже были известны ранее в построенной ионяками острова Сифнос сокровищницы  в Дельфах.

В эпоху Александра Македонского преобладающее значение получает  еще более деструктивный стиль — коринфский.  Ведь коринфская капитель — это изображение в камне корзины или букета с листьями  гкакта, на которые опереть ничего нельзя. Знаменитый Памятник Лисикрата (334 г.  до н. э.} — типичный пример абсолютно нефункционального и, с конструктивной точки зрения, ложного архитектурного сооружения, рассчитанного лишь на внешнее впечатление монументальности.

 Античные  живописцы пользовались всего четырьмя красками: желтой, красной, белой к черной, но не потому, что были равнодушны к цвету. Пестрая раскраска зданий и статуй свидетельствует  как раз об обратном. Скорее и здесь сказалось осязательное отношение к форме и игнорирование пространственных задач.

 Вместе с тем, античная  скульптура принципиально геометрична. Б. Фармаковский отмечал, что «греческое искусство всегда до известной степени — искусство геометрическое... античная классическая скульптура — это высшая стадия развития геометрического стиля, присущего грекам  еще с архаических времен. Греческое искусство выросло из геометрического стиля,  и по своей сути этот стиль никогда не менялся»

Весьма примечательно, что в лучших статуях античности головы — совсем не самые главные части фигур, они трактованы точно так же, как, скажем, рука, бедро, стопа. Это застывшие маски, которые вследствие своего отвлеченного  геометрического характера не только не несут характерных этнических или психологических черт, но даже не имеют явных признаков пола.

 Несколько иной характер имело искусство Древнего Рима, прежде всего архитектура. Существует упрощенный взгляд, что римляне в области искусства все переняли у греков и не  создали ничего своего. Действительно, они с легкостью и мудрой практичностью заимствовали  культурные достижения завоеванных стран

Романское искусство (франц. Romanesque, исп. romanico, нем. Romanik от лат. romanum  — римский) — обобщающее название различных памятников: второго после раннехристианского  периода развития искусства западноевропейского средневековья (см. средневековое  искусство). Термин «романский», появился в начале XIX в., когда историки и художникиромантики,  открыв для себя искусство раннего средневековья заметили, что архитектура этой  эпохи внешне напоминает древнеримскую. 

 Орнаментика романского искусства, большей частью заимствованная на Востоке, основывалась на предельном обобщении, геометризации и схематизации изобразительного образа.  Во всем чувствовалась простота, мощь, сила, ясность. Романская архитектура — характерный  пример рационального художественного мышления. Одна из архитектурных форм раннего  романского искусства — центрическая купольная постройка, композиция которой берет  свое начало от Пантеона, построенного сирийцем в 118 125 гг. н.э. в Риме, и развитая в дальнейшем в баптистерии в Равенне и дворцовой капелле Карла Великого в Аахене.

Характерно отсутствие какой либо определенной программы в  размещении декоративных мотивов: геометрических, «звериных», библейских —  они перемежаются самым причудливым образом. Сфинксы, кентавры, грифоны, львы игарпии мирно уживаются рядом. Большинство специалистов считает, что вся эта фантасмагорическая фауна лишена символического смысла, который им часто приписывают, и имеет преимущественно декоративный характер.

Новые импульсы  получило развитие романского искусства  в период правления Карла Великого (768814, см. Каролингское Возрождение) и в связи с основанием в 962 г. «Священной  Римской империи» Оттоном I (936973). Архитекторы, живописцы, скульпторы возрождали  традиции древних римлян, получая образование в монастырях, где в течение столетий  бережно сохранялись традиции античной культуры.

Романтизм (франц. romantisme от лат. romanum римский от Roma — Рим) — одна из двух, наряду  с Классицизмом, основополагающих тенденций художественного мышления. Однако исторически  сложилось, что этим словом стали называть широкий круг самых разных явлений. В  конце XVIII в. романтическим или «романическим» называли все необыкновенное, фантастическое,  то, что происходит «как в романах».

Гейнсборо  положило начало течению «питтореск», или «пикчуреск» (англ. picturesque — живописный). Этим термином обозначали живопись романистов К. Лоррена, Н. Пуссена, С. Роза, а затем и своих пейзажистов, таких как У. Тёрнер. Английский пейзаж, как и английский пейзажный стиль в парковом искусстве,— типичный Романтизм, отражавший  стремление к естественному, стихийному ощущению красоты в природе.

Идеи романтизма закономерно возникают на почве неудовлетворенности действительностью,  кризиса идеалов Классицизма и рационалистического мышления, стремления уйти в  мир идеальных представлений, утопических мечтаний о совершенстве мира. Как ни в каком другом "направлении искусства, художникиромантики убеждены, что их направление — единственно верный путь.

Таким образом, Романтизм в искусстве — чрезвычайно емкое понятие, включающее различные исторические художественные стили: Готику и Барокко как выражение романтического христианского  сознания, романизм как идеализированное, романтическое изображение античности  и итальянской природы, отчасти Неоклассицизм, ведь воспоминание классики также романтично, Неоготику — парафраз средневековой романтики и все иные неостили:  «неоренессанс», «русский стиль», руссковизантийский, мавританский, «индийский»,  «тюркри»...

Романтизм живописен.  Живописец романтик Э. Делакруа заметил, что «Великий Пуссен, художник философ...  придавал идее несколько большее значение, чем того требует живопись... впадал  в некоторую нарочитость...

 Несмотря на общность  хронологических рамок романтического движения начала XIX в., в каждой из европейских стран оно протекало посвоему. В Италии, на родине названия этого направления, Романтизм развивался в русле традиционного римского Классицизма и деятельности  живописцев иностранцев: нидерландцев, французов, немцев, называвшихся вот уже несколько столетий романистами. Во Франции Романтизм как художественное направление  вырос из сентиментализма, или преромантизма эпохи Просвещения.

Барокко (итал. barocco через исп. от португ. baroco — причудливый, дурной, неправильный,  испорченный). Термин «барокко» имеет в истории искусства множество значений. Среди  них более узкие, для обозначения художественных стилей в искусстве различных стран  XVIIXVIII вв., либо более широкие — для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах, либо вообще как поэтическая метафора: «человек Барокко», «эпоха Барокко», «мир Барокко», «жизнь Барокко» (итал. «La vita Barocca»). 

 Родиной Барокко стала Италия, и произошло это по двум основным причинам. Первая заключалась в том, что новый стиль складывался в ходе формального усложнения архитектуры Итальянского  Возрождения. «Высокий Ренессанс уже на три четверти Барокко»,— писал И. Грабарь  . Новый стиль стал для Италии своеобразным архитектурным Маньеризмом, реакцией  на исчерпавшие себя возможности рационального классического мышления.

  В то же время архитектура раннего римского Барокко, на первых порах сохраняла симметрию фасадов и элементы классического ордера, лишь усиливая их вертикализм и живописность. Недаром замечают, что она  во многом близка архитектуре императорского Рима. И, в тоже время, композиции  римских барочных церквей с их базиликальным планом и высокими, симметрично расположенными башнями поразительно напоминают готические.

Архитектура Барокко — это синкопированные ритмы столкновений масс, противоборства инертного  объема и динамичного ощущения пространства, материальности стены и иллюзорной  глубины, набегающего шага вертикалей колонн и многократно раскрепованных горизонталей  карнизов

 Наиболее радикальное течение римского Барокко называется — «стиль иезуитов». Его главное произведение — церковь Иль Джезу в Риме архитектора Джакомо делла Порта (1575). Стиль иезуитов связан с движением контрреформации  и идеей абсолютизма римской католической церкви. 

 Второй после красоты в эстетике Барокко следует категория грации (лат. gratia — прелесть, изящество) или кортезии (итал. cortesia —  вежливость, нежность, теплота), что соответствует изобразительным качествам движения, пластики, изменчивости. Другая важнейшая категория — «декорум» — отбор соответствующих тем и сюжетов. В них входят только «достойные», прежде всего исторические, героические.

Термин «Барокко» имеет и еще множество иных значений. Своеобразную форму получили элементы стиля Барокко в Англии (см. Реставрации Стюартов стиль; Якова стиль; Анны стиль; Марии стиль. В Германии борьба реформации и контрреформации, с той и другой стороны, также отражалась в искусстве в формах Барокко

Рокайль, рококо (франц. rococo — вычурный, причудливый от rocaille — скальный от roc — скала, утес). Рококо — оригинальный художественный стиль, выработанный  в искусстве Франции первой Половины XVIII в. То же, что стиль ЛюДовика XV, так  как совпадает с временем Правления этого короля (17201765). Роко — один из самых  известных «королевских стилей». Происхождение его назвачия и основных форм тесно связано с Понятием «рокайль».

Стремление к интимному стилю оформления интерьера после шумной и помпезной эпохи Людовика XIV появилось еще в период Регентства. Центром формирования новой культуры XVIII в. стал не дворцовый парадный интерьер, а салон, быт частного дома. Заправляли французскими салонами женщины, именно они создавали среду, в которой формировалась  новая аристократическая культура со своим языком — изящным, галантным и ироничным,  с определенными правилами поведения.

 Идейной  и эмоциональной основой стиля французского Рококо стал гедонизм и индивидуализм,  сформировавшийся еще в период Регентства, а формой — интимная и игривая грация, «дух мелочей прелестных и воздушных», как определил ее русядай поэт М. Кузмин.  Эстетика мимолетного, неуловимого, изменчивого и капризgoro нашла свое выражение  в жанре «каприз» (франц. caprice — каприз, причуда), отличающегося, однако, от барочного «кауриччи» своей легкостью и веселостью — это всего лишь «красивая миниатюра», пустяк.

Рококо предельно живописна, бегла, почти импрессионистична. Впервые в истории искусства легализованы изображения обваясенного тела в откровенно эротическом смысле, натурщиц в вызывающих  позах, дашь слегка замаскированных с помощью малозначащих атрибутов под Диан и  Венер.

Рококо — один из самых «формальных» стилей, в нем важнее не «что», а «как» делается художником, не что изображено в каждом конкретном случае, д каким образом это оформлено. И в этом Рококо ближе всего музыке. Рококо есть удивительный пример «мнимой пластики»  трансцендентности изобразительных мотивов, являющихся, по существу, музыкальной  организацией форм.

Большую роль в распространении стиля Рококо сыграла орнаментальная гравюра. Жанр орнаментального гротеска, основоположником которого во Франции еще в XVI столетии был Ж.А. Дюсерсо развивался в творчестве художников орнаменталистов эпохи Людовика XIV Ж. Лепотра и Ж. Берена, нашел свое естественное продолжение в период Регентства у К. Одрапа, А. Ватто, а наивысший взлет — в безудержных рокайльных фантазиях Н. Пино, Ж.О. Меиссонье, Д. Маро и Ф. Кювилъе.

Классицизм,  Классицистический стиль (нем. Klassizismus от лат. classicus — см. классика, классическое искусство). В отличие от классики, классицизм — не качественное,  а функциональное понятие, оно выражает определенную тенденцию художественного мышления, основанную на естественном стремлении к простоте, ясности, рациональности,  логичности художественного образа, т. е. на рациональноидеализирующем архетипе  мышления.

 В 1956 г. Г. фон Грюнебаум выдвинул четыре составные части «Классицизма как направления в культуре»:

 1. Прошлая (или чуждая) фаза развития  культуры признается полной и совершенной реализацией человеческих возможностей.

  2. Эта реализация усваивается как законное наследие или достояние.

 3. Допускается, что облик настоящего может быть изменен по образцу прошлого (или чуждого) идеала.

 4. Чаяния, характерные для прошлой или же чужой культуры,  принимаются как образцовые и обязательные для настоящего.

 Чтобы отличать понятие Классицизма как одной из  основополагающих тенденций мышления и художественного направления от соответствующего  стиля, правильней говорить не «стиль классицизм», а. «стиль Классицизма». В этом случае подразумевается, что, как и во всех иных художественных направлениях, эпохах  и периодах развития искусства, классицистическое мышление может выражаться в разных  формах и художественных стилях, но наиболее соответствующий этому содержанию стиль — классицистический.

В архитектуре Классицизма существует определенный набор формальных признаков. Горизонталь преобладает над вертикалью. Композиционно выделяется ось симметрии, отсюда обычное  трехчастное деление фасада с укрупненным центральным и двумя меньшими боковыми  ризалитами. Все формы тяготеют к квадрату, окружности, полуциркульной арке. В плане особенно популярны центрические сооружения, обеспечивающие равноценность  восприятия с различных точек зрения. 

 В целом тенденция к архитектурности изображения в живописи ведет к тому, что красочность уступает  место светотеневой моделировке объемов. Художник Классицизма всегда ищет повод  для изображения обнаженных фигур, только потому, что это дает возможность продемонстрировать  конструктивное мышление.

Готика, готический стиль (франц. qothique, от итал. gotico, лат. Gothi — готы — общее название племен, вторгавшихся с севера в пределы Римской империи в IIIV вв. и  см. стиль) — исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIIIXV вв. Он возник на основе народных традиций готов, достижений  романского искусства, главным образом архитектуры, и христианского мировоззрения.

Классическая  стадия развития искусства готического стиля, так называемая «Высокая  готика», приходится на годы правления Людовика IX Святого (12261270), поздняя — Карла V и Карла VII Валуа. В XIVXV вв. Готический стиль проник в Северную Италию.  Готика явилась результатом длительной, многовековой эволюции средневекового искусства,  его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем

Формы  архитектуры стали выражать христианскую идею духовности, устремления ввысь, к небу. Готические строители соревновались — кто выше поднимет своды собора. Ребристые своды складывались из мелких клинообразных камней и со временем были настолько  усовершенствованы, что становились упругими и легкими, в корне меняя представления  о тяжести каменной конструкции.

Процесс дематериализации готической архитектуры приводил к тому, что из тектонической  и замкнутой она превращалась в пластическую и пространственную композицию. Готический  собор — в большей степени организация пространства, как внутреннего, так и наружного,  чем формы.

 Готика заимствовала с Востока, но не от арабов, а из Византии, идею цветосветовой организации  пространства собора, претворив ее совершенно иначе, не средствами мозаики, а сиянием цветных стекол витражей и динамикой нервюр. Новая конструкция окончательно освободила стену от нагрузки, витраж заменил традиционную роспись и мозаику, и вся стена  превратилась в одно большое окно.

 Готические соборы с их скульптурой, рельефами и ажурными орнаментами (дяошь раскрашивались, снаружи и изнутри. Эта окраска почти не дошла до нашего времени. Можно представить,  какое впечатление производили раскрашенные статуи в полумраке собора

Расцвет Готики — это и расцвет статуарной скульптуры. Статуи соборов Реймса и Наумбурга  с очевидностью доказывают это. «Повышается самостоятельная ценность фигуры... у ангелов высокой Готики... женственная тонкость головы доходит до изящества,  до изысканности, грациозная улыбка играет на тонко очерченных губах, волосы схвачены  повязкой, и красивые локоны образуют прическу, ближайшее подобие которой мы можем найти у женщин Аттики времен Фидия».

Архитектура была главным формообразующим фактором готического стиля. Мебель, предметы  церковной утвари из позолоченного серебра, дерева и слоновой кости повторяли в миниатюре композицию архитектурных сооружений и их декоративных деталей. Таковы,  в частности, архитектонические дарохранительницы, реликварии, небольшие переносные алтари складни.

 Последнюю кризисную стадию развития стиля  «интернациональной готики» Северной Италии XV столетия часто называют «готическим маньеризмом». В ней особенно сильно проявились экспрессивная надломленность формы,  острая, доходящая до гротеска, графичность, обилие сложных аллегорий, символики, странных, болезненных преувеличений, трансформаций, мельчайшая выписанность натуралистически  трактованных деталей, сверкающих подобно драгоценным камням в живописной оправе.

Признаки готического стиля Сохранившиеся планы и рабочие чертежи грандиозных соборов средневековья (Кельнского, Венского, Страсбургского) таковы, что не только составлять их, но и пользоваться ими могли лишь хорошо подготовленные мастера. В 12—14 вв. были созданы кадры архитекторовпрофессионалов, подготовка которых стояла на очень высоком по тому времени теоретическом и практическом уровне. Таковы, например, Виллар де Онненкур (автор сохранившихся записок, уснащенных обильными схемами и рисунками), строитель ряда чешских соборов Петр Парлерж и многие другие.

Интерьеры готических соборов не только грандиознее и динамичнее интерьеров романского стиля — они свидетельствуют об ином понимании пространства. В романских церквах четко разграничивались нартекс, продольный корпус, хор. В готических соборах границы между этими зонами теряют свою жесткую определенность. Пространство среднего и боковых нефов почти сливается; боковые нефы повышаются, устои занимают сравнительно малое место. Окна становятся больше, простенки между ними заполняются фризом из арочек. Тенденция к слиянию внутреннего пространства сильнее всего проявилась в архитектуре Германии, где многие соборы строились по зальной системе, т. е. боковые нефы делались той же высоты, что и главный.

Особенности проявления готического стиля в разных странах Франция Париж стал в позднее средневековье уже не только фактической столицей государства, но и общепризнанным центром его культурной жизни, в нем насчитывалось около ста цеховых организаций ремесленников, среди которых не последнее место занимали каменщики и ваятели, а число жителей к концу XII в. достигло почти ста тысяч, что было тогда беспримерным. Основанный в 1215 г. Парижский университет стал центром средневековой учености, в котором значительную роль играло пробивавшееся сквозь церковную схоластику стремление к точным наукам.

Англия Различие в отношении высоты к длине между памятниками английской готики и французской (да и вообще материковой) сыграло решающую роль во всем развитии английского зодчества в позднее средневековье, зодчества, которому мы обязаны множеством замечательных памятников. Какова же была причина такого различия? Завоеванная норманнами, принесшими с материка уже сложившуюся культуру, британская островная держава была первой страной, перенявшей от Франции вслед за романским готический стиль, который она и переработала на свой лад.

Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодальноцерковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символикоаллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Словарь 

Итальянское возрождение (итал. rinascimento, фран. renaissance — возрождение) — переломная эпоха в  развитии итальянского и мирового искусства XV XVI вв. Художники того времени возрождали  античные формы, но вкладывали в них иное, новое содержание. Слово «возрождение»  впервые употребил в 1550г. итальянский художник Дж. Вазари, автор «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». 

Вопреки устаревшим представлениям, резко разграничивающим искусство средневековья и Возрождения, на многочисленных примерах можно видеть, как идеология Итальянского Возрождения буквально «вырастает» из христианского средневековья

  Прекрасный человек эпохи Возрождения  — не бесстрастное гармоничное тело, стасоту которого, как это было в эпоху греческой классики, может лишь исказить выражение чувств и мыслей. Все искусство Итальянского  Возрождения пронизано размышлениями о Божественной красоте и иудрости в устройстве мира. Оно было очень земным и одновременно возвышенным. 

 Постепенно, с распространением идей гуманизма о подражании природе и возвеличивании человека, художники стали осознавать,  что самой прекрасной формой в природе является человеческое тело. Именно здесь  «древние» стали образцом. Изображение человеческой фигуры в скульптуре и живописи становилось все весомее, материальнее. 

Художники  Итальянского Возрождения, в отличие от своих предшественников, средневековых мастеров, стали искать Божественную красоту не в небе, а на земле, стремились понять Божественное через земное, да к тому же, отождествив его с красотой античных  форм. Это было невозможное сочетание. Отсюда вся неустойчивость, скоротечность  и даже трагизм эпохи Возрождения. 

Византийские влияния достаточно сильно ощущались на всей территории Италии и даже в творчестве художников римского классицизма. Так, в VIII IX вв. получил широкое распространение  тип «римской» иконы Богоматери Одигитрии (греч. Odighitria — Путеводительница,  или Наставница), пришедший из Византии через италокритскую школу.

Так, в итальянской скульптуре постепенно формировалось особое чувство формы, пластическое качество, так ярко отличавшее итальянское искусство XV XVI вв. от искусства Северного Возрождения Германии и  Нидерландов. На севере развивались традиции орнаментальности, декоратиеизма и  графического начала, в Италии — объемность, пластичность формы.

Ренессанс даже не коснулся подлинной античности — где уж было ему понять ее и «возродить». Абсолютно полоненное литературными впечатлениями сознание флорентийского кружка  пустило в ход это соблазнительное название — возрождение античности... в архитектуре... все античные детали ничего не значат, сами по себе, если они самим способом их применения выражают нечто неантичное». 

 Принципиально новым было и использование мотива аркады, не имевшего прототипов в античном искусстве. Греки вообще не использовали арку, римляне не опирали импосты арок непосредственно на колонны. Брунеллески, а за ним и другие, смело использовал чисто арабский принцип, вероятно, приняв его за античный, связав в единую конструкцию колонну и арку.

Искусство  Итальянского Возрождения крайне неоднородно. В своем развитии оно прошло ряд  очень разных, почти взаимоисключающих этапов. Период XIII в., так называемое дученто (итал. duecento — двести, двухсотые годы), является предренессансным, иногда его называют проторенессансом (от греч. protos — первый, изначальный). Еще в XIIXIII  вв. в архитектуре Тосканы, в г. Флоренции появляется новый архитектурный стиль,  непохожий на готику. В 1260е гг. работавший в г. Пизе скульптор Никколо Пизано  опирался на позднеантичные и раннехристианские образцы.

Итальянское кватроо — это мечты, сны наяву, какаято Цетская радость узнавания, восхищение Только что открываемыми возможностями Искусства. В представлении кватрочентистов  самым невероятным образом смешизвались сюжеты Библии, рыцарских легенд, античных  мифов и непосредственные впечатления реальной жизни.

 Различие художественной концепции искусства кватроченто и чинквеченто заключается в смене натурализма идеализмом духовного величия христианских образов. Лучшим доказательством тому служит «Сикстинская мадонна» Рафаэля. Однако на этом развитие не остановилось. Главной темой чинквеченто вскоре становится разнообразие движений, мотивированных не сюжетно, а формально, пластически, как в знаменитых фигурах сикстинского плафона  Микеланжело

«Высокое Возрождение» оборвалось внезапно. В 1520г. умер Рафаэль. Леонардо уже год как не было в  живых. Многим, наверное, казалось тогда, что вотвот явится еще один Рафаэль или  Леонардо. Но этого не произошло, что само по себе необычайно: настолько был развит стиль и крепка школа

Это позволяло говорить некоторым исследователям о том, что Итальянское Возрождение — «несостоявшаяся эпоха». Ведь большая часть ее самых выдающихся произведений осталась лишь в проекте. "«Тайная вечеря» Леонардо не была закончена и начала  разрушаться на глазах у Автора. Его же конная статуя Ф. Сфорца ее была отлита  из бронзы, а модель погибла.

 Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею Божественной  гармонии и благодати на весь материальный мир претворилось в деятельности северян  более остро и своеобразно, чем в Италии. Движимые страстным религиозным чувством, порой на грани фанатизма, они обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа.

Вторая особенность Северного Возрождения — экспрессивность. Немецкие художники никогда не изображали неподвижные фигуры одну подле другой, как это делали мастера итальянского  кватроченто. Красота обнаженного тела и иллюзорная глубина изобразительного пространства  мало их волновали.

 Другое известное определение стиля Северного Возрождения — «магической реализм». Искусство Севера, действительно, самым невероятным образом, не только метафизично, но и удивительно конкретно. Так, взамен  некоего подобия покрывал, которыми Рафаэль окутывал свои идеальные фигуры, одеяний,  которые никто никогда не носил, северяне изображали обычную одежду своего времени, причем с точнейшим образом выписанными деталями. 

В искусстве Северного Возрождения большую роль играли возникшая на границе Фландрии и Франции франкофламандская школа живописи XIV—XV вв. и парижская школа книжной миниатюры, мастера которой  работали для герцогов Бургундского и Беррийского. На искусство Германии сильное влияние оказывало наиболее «готизирующее» из всех нидерландских живописцев искусство  Р. фан дер Вейдена.

Маньеризм  всегда свидетельствует о вырождении одного и скором пришествии нового стиля. Наиболее ярко эта его роль проявилась в Италии, где маньеристические тенденции предвещали рождение Барокко. У. Вёлырлин писал о том, что не случайно Маньеризм получил такое мощное развитие в Италии, где «культ пластики обнаженного тела был  особенно развит... 

В архитектуре Италии второй половины XVI в. Маньеризм проявился в произвольном смешении  и алогичном использовании элементов различных ордеров, романских и готических  архаизмов. Разрушение строгой, логичной связи элементов ордера, присущей классической  системе, можно было бы назвать эклектичным и нехудожественным, если бы не новые,  пусть и алогичные, композиционные принципы, которые заключались, прежде всего,  в смене тектонического формообразования пластическим.

Маньеризм проявился и в итальянской скульптуре, главным представителем которой в конце XVI в. был Б. Челлини Его произведения при всей их кажущейся классичности отличаются дробностью формы, одинаковым вниманием ко все деталям без учета их отношения к целому, чего не было у его великих предшественников Донателло, Микеланжело.

  Модерн, «стиль модерн» (франц.  moderne от лат. modemus — новый, современный) — период развития европейского искусства на рубеже XIXXX вв., главным содержанием которого было стремление художников противопоставить свое творчество Историзму и эклектизму искусства второй половины XIX столетия — отсюда название. Поэтому термин «модерн» следует отличать от общего смысла слова  «современный» или «современное искусство», а также термина «модернизм», обозначающего  все наиболее авангардистские, экспериментальные и формалистические течения в искусстве  XX в.

Модерн стремился впитать в себя все. Но у искусства Модерна были свои предтечи. В их числе часто называют У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов, английских графиков У. Крэйна и У. Блейка. На искусство  Модерна возлагались большие надежды. После столь длительного периода эклектики и бесстилья настойчиво искали его историко культурное обоснование.

Главной особенностью искусства Модерна является то, что новое в нем формировалось  прежде всего в области архитектуры, декоративного и прикладного искусства, но  не столько самими архитекторами, сколько живописцами и графиками. Точно так же в XVIII в. в эпоху Рококо, творцами нового стиля были живописцы и рисовальщики,  подчинившие придуманному ими мотиву рокайля всю архитектуру, скульптуру, мебель.

 С 1881 г в Брюсселе О Маусом издавался журнал «Современное искусство» («L Art Moderne») На его страницах  впервые появился термин «новое искусство» («L Art Nouveau») В 1894 г этот термин  сделал программным в своем творчестве бельгийский живописец, а затем архитектор А Ван де Велде

В Австрии Модерн называли «сеиессион» (от лат secessio — отделение уход) так как движение за новое искусство на чалось с демонстративного выхода группы молодых художников  из состава выставоч ной организации «Glaspalast» («Хрустальный дворец») в знак  протеста против рутины академизма 

Стремление  русских художников к организации целостной «художественно романтической» среды  проявилось в необычайно ярком явлении культуры «fin de siecle» — знаменитых «дягилевских сезонах» в Париже. Балетные постановки С. Дягилева с их соединением театра, музыки, искусства костюма и декорации называли «утонченной стилизацией модерна». Национальные  мотивы, стремление к созданию неорусского стиля проявились в деятельности абрамцевского  кружка и мастерских Талашкино.

В искусстве Модерна декорация начала отделяться от конструкции и становиться самоцелью.  Отсюда безудержная прихотливость орнамента, нарушающего всякую тектонику вещи,  на первых стадиях развития искусства Модерна и общая атектоничность композиции — на втором. В более глубоком смысле следование «новому стилю» означало стремление  к созданию «нового стиля жизни» — художественного «синтеза окружающей человека среды, пространства и времени, в котором он живет, »

Особое место занимал в искусстве Модерна символизм. В качестве самостоятельного художественного  течения символизм получил развитие преимущественно в литературе, в особенности в поэзии начала XX в. В России этот период получил название «серебряного века»,  во Франции символизм быстро переродился в сюрреализм. Изобразительное искусство по своей природе менее подходит для выражения символистских образов, туманных  и неясных, поэтому живописцы и графики, считавшие себя символистами, как, например,  И. фон Штук, часто впадали в салонный и ЗДащавый натурализм с примесью пошловатых аллегорий, с двусмысленной, примитивной эротикой

Модерн иногда отталкивает натуралистичностью деталей, но в целом это искусство глубоко  интеллектуально, поскольку его художники творчески переосмысливают всю историю европейского искусства. Это особенно хорошо видно на примерах рядовой застройки жилых домов петербургского модерна. Их отличает подлинно классическая строгость пропорциональных членений фасадов, но с характерной асимметричностью композиции,  полукруглые или многогранные эркеры, майоликовые фризы, сильный вынос кровли на  кронштейнах, ассоциирующийся с итальянской архитектурой, мелкая расстекловка окон,  часто трапециевидных или с закругленными углами и нарядными наличниками — парафраз  северного, «петровского барокко», такого родного для Петербурга.

Импрессионизм (франц. impressionnisme от impression — впечатление) — в конкретноисторическом  значении течение французской живописи последней трети XIX в. Весной 1874г. группа  молодых художников живописцев: К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей, Э.  Дега. П. Сезанн. Б. Моризо, проигнорировав жюри официального Салона, устроила собственную выставку. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве.

Абсолютизация зрительного подхода к изобразительному искусству сделала импрессионистов «фанатиками  зрения», приносящими в жертву оптическому методу разнообразное содержание художественного творчества. Для художника импрессиониста по большей части важно не то, что он  изображает, а важно «как». Объект становится только поводом для решения чисто  живописных, «зрительных» задач.

 Вместе с «коричневым тоном» старых мастеров и презираемых академистов импрессионисты отбросили и всю глубину живописи, ее душу как выражение трансцендентного устремления к пространствен, новременной бесконечности и заменили ее внешним, поверхностным смотрением на предмет, абстрагируя его от всех смыловых связей. Вот почему вместе с наступлением импрессионизма «душа живописи отлетела»

Содержание  понятия «импрессионизм» намного шире названия течения французской живописи последней трети XIX в. Как творческий метод, система мироощущения и самовыражения  художника «импрессионизм», вероятно, всегда присутствовал в истории искусства  задолго до появления этого слова.

 И все же, после французских импрессионистов мир живописи стал иным. Художники уже не могли писать постарому. Прав был Волошин, утверждавший, что мы воспринимаем мир «глазами своих живописцев»  Однако изменения мировосприятия, сыгравшие столь роковую роль для всего развития  искусства XX в., не были отрешением от условностей изобразительного искусства.

Эжен Делакруа – французский живописец. Крупнейший представитель прогрессивного романтизма. Учился в 181622 в Париже. Выступил как смелый новатор с полными напряжённого драматизма картинами на современные, исторические, литературные темы, воплощая в них сильные, мужественные характеры, большие чувства, свободолюбивые идеалы. Внёс в живопись необычайную выразительность цвета, богатство полутонов и рефлексов, свободную, импульсивную манеру письма. Общественным событием становилось появление таких картин Делакруа, как ”Данте и Вергилий”, “Резня на Хиосе”, глубоко жизненная трагическая сцена из борьбы греков против турецкого ига, “Свобода на баррикадах,” в которой символический образ свободы окружён фигурами реальных участников революции 1830 года.

 Романтизм (франц. romantisme), идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца 18 – начала 19 вв. Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения, утвердившийся в эпоху революционной ломки старого миропорядка, романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости.