История живописи, архитектуры, дизайна

Искусство второй половины 13 века Палеологовский ренессанс – последний высочайший взлет византийского искусства. Император Никеи Михаил Палеолог после отвоевания Константинополя основал династию, давшую название «возрождению» в искусстве конца 13 – н. 14 в. и всему позднему периоду истории византийской культуры.

Живопись первой трети и середины 14 века Иконопись в палеологовский период становится, пожалуй, главным видом искусства. Причина этого кроется не только в бедности государства. Свою роль сыграло также усиление личностного начала в религиозном сознании 14 в., поскольку икона прежде всего рассчитана на индивидуальное молитвенное общение. Выросли масштабы икон, все больше места они стали занимать в храмовой декорации. Палеологовский ренессанс оказал значительное воздействие на развитие искусства многих европейских стран.

Базилики 4-6 веков. Раннехристианская архитектура развивалась на основе античной. Массовое строительство развернулось после 313 г., когда христианство обрело статус официальной религии. Новый тип храма еще не возник, и для богослужений использовались постройки, первоначальное назначение которых в античности было светским. У христиан же само слово «церковь» означало не здание, а собрание верующих. Используя предшествующий опыт, христианская храмовая архитектура, отвечающая потребностям развивающегося культа и выражающая новые религиозные представления, довольно быстро нашла иные художественные формы

Проблема возникновения крестово-купольного храма.

Архитектура Константинополя 9-12 веков. В Константинополе все храмы этого времени - крестово-купольные на 4 колоннах. Сев. церковь монастыря Липса 908 год. В 13 веке пристроили Южную церковь. Обе церкви окружены в 14 веке экзонартексом и параклесие (пристроенный ней на юге).

Византийскме постройки Италии 11-12 веков Византийские мастера 11—12 вв. работали и вне пределов империи, в частности в Италии. Это получило наиболее яркое отражение в памятниках Венеции и Сицилии, то есть тех мест, которые исторически были особенно тесно связаны с Византией. Не подлежит сомнению, что приезжие мастера работали здесь совместно с местными в общих артелях; со временем в этих итальянских центрах вырабатывались свои, отличные от Византии, формы искусства. Собор Сан Марко в Венеции.

Сербская архитектура 12-14 веков. Влияние северной греческой архитектуры, на которую накладывается романское влияние. Крестово-купольная форма плана зачастую дополнена удлиненным нефом к западу. Центричность засчет пирамидальной формы. Трехчастные фасады, разделенные лопатками. Пониженные боковые апсиды с перекрытиями конической формы. Часто облицовка мрамором, фигуративная резьба, перспективные порталы. На западной стороне развитый экзонартекс.

Два стиля в развитии искусства миниатюры в раннем периоде и их зависимость от противостояния двух церквей на островах: Вторая половина VI - первая половина VII столетий - период сложения англоирландского стиля. Памятники, характерные для этого периода: Кэтак св. Колумбана - II пол. VI или I четв. VII в. Первый Ашеровский кодекс - ок. 600 г. или 615 г. Первое Даремскле Евангелие -I пол. VII века.

Искусство Рима времен варварских королевств. Живопись «малого римского Возрождения» и Пасхалиевского «ренессанса»: Первая попытка возвращения к раннехристианскому искусству и причины, вызвавшие ее. Программа монументального живописного декора (мозаики, фрески) римских церквей – идейные основания, реконструкция раннехристианских образцов, новые смыслы. Санта Мария Антиква – первые росписи – VI век. Фрагмент «Богоматери на троне» с двумя ангелами по сторонам. Сходство с иконографическим и композиционным типом, сложившимся в иконописи, но новая, по сравнению с Санта Мария Маджоре, концепция образа Марии, акцент на ее божественную сущность.

Исскуство раннего средневековья Эпоха каролингов и развитие культуры. Значение реставрации западной империи для развития культуры региона. Культурная политика Карла Великого, ее цели и задачи, влияние на архитектуру и искусство. Реформы, связанные с монастырской жизнью и образованием. Реорганизация средневековых школ Карлом Великим. Алкуин Йоркский - советник короля по культуре и образованию. Введение Алкуином трехступенчатого обучения. Идея «новых Афин». Теодульф и другие соратники Карла Великого.

Евангелие Сент Круа в Пуатье. Эвангелиарий Годескалька (781-783) - у истоков дворцового стиля. Скрещение восточных, островных и римских влияний. Синтез черт, типичных для каролингского стиля.

Фрески Сан Винченцо в Галиано, северная Италия – параллель с Оберцелле. Миниатюра Оттонов. Развитие стиля от каролингов к Оттонам, место и значение каролингских элементов. Евангелия – среди лучших книг эпохи. Дальнейшее развитие каролингского типа портретов евангелистов. Развитие и усложнение христологического цикла. Проблемы византийских влияний. Изменения в иконографии. Нарастание мистицизма, отвлеченности, абстракции. Удаление от античных реминисценций. Формирование ряда черт романского стиля.

Искусство Испании X века. Архитектура. Региональная специфика испанской архитектуры. Освоение форм французского монастырского зодчества. Влияния ислама. Проблема мосарабского искусства и архитектуры. Мосарабские черты в Сан Мигель де Эскалада (боковая галерея, по типу ливана в мечетях, подковообразные арки и план апсиды). Круг мосарабских памятников (между серединой IX и первой половиной X): храмы Сан Кир де Педрет, Сан Мартин де Феноллар, Сан Фелиу де Боада

Романский стиль Романская эпоха: политические и религиозные события, оказавшие влияние на развитие искусства этого периода и отразившиеся в его памятниках. Теология и философия.

«Первый романский стиль». Значение XI столетия в формировании романского стиля. Распространение первого романского стиля: географическое - северная и центральная Италия, Каталония, нижний Лангедок, Прованс, долины Роны и Соны, рейнские земли, частично центральная Европа и хронологическое – первые черты проявляются в некоторых регионах уже в середине X века. К 1060-1080 уступает место зрелому романскому стилю. У его истоков - противоборство и взаимопроникновение культур Востока и Рима, средиземноморской и варварской архитектурных традиций. Сосуществование первой романики с другими стилистическими тенденциями в XI веке.

Линия цистерцианской архитектуры. Храмы Нормандии. Расцвет норманнской архитектуры со второй половины XI века. Длительное сохранение плоского стропильного перекрытия - Жюмьеж, Байё. Храмы Кана - Сент Этьенн и Сент Трините – вторая линия развития архитектуры Нормандии. Перестройка храмов Кана (1120 – 1130) и новая фаза эволюции норманнской системы сводов. Протоготические черты в применении декоративного нервюрного свода и развитии центрального нефа в высоту.

Романская архитектура Испании. Контакты с исламом и их влияние на процессы формотворчества. Значение мосарабского искусства. Проблема испанских черт (независимых от Франции) в романской архитектуре и их усиление на поздней стадии эволюции стиля. Второй романский стиль в Каталонии (XII век). Более сложные архитектурные планы и композиции трансептами и деамбулаториями. Развитой скульптурный декор, сформировавшийся под влиянием скульптуры Руссийона, Прованса и Тулузы.

Скульптура Италии. Стиль, иконографические схемы, темы и образы. Влияние скульптуры Прованса на Италию. Проблема авторской скульптуры. Творчество Никколло, творчество Вилигельмо. Скульптор и архитектор Бенедетто Антелами - формирование и эволюция стиля. Проявление новых норм и принципов построения пространства и моделировки фигуры в его композициях. Творчество Антеллами как объективное звено между античной и ренессансной пластикой.

Живопись Италии. Место и значение итальянских художественных центров в искусстве Западной Европы этого времени. Роль античного и раннехристианского наследия в итальянском искусстве и ориентация ряда школ на него. Италия как место встречи разнообразных художественных влияний – византийских, арабских, заальпийских. Региональные стилистические отличия. Возрождение и экспансия искусства мозаики в XII веке. Влияние византийского искусства на эти процессы.

Романская иллюминация. Развитие богословия в XII веке, традиции изучения и толкования Библии. Типы и виды иллюминированных книг. Большие романские иллюстрированные Библии. Нарастание роли Псалтыри и их специфика как книг для домашнего, частного использования. Активное иконографическое творчество, эксперименты со старыми изобразительными схемами, создание новых. Грабарь: Творчество в области иконографии предшествует творчеству в области стиля. Ведущая роль Франции в этих процессах. Аспекты иконографического творчества (умозрительный, типологический и т.д.). Роль византийских образцов – прежде всего в стилистике.

Немецкая иллюминация. Формирование нового стиля – итог имманентной эволюции оттоновской иллюминации в сочетании с итало-византийским стилем, часто идущим из Клюни. Большая близость немецкой иллюминации к Италии, чем к Франции. На рубеже XII-XIII веков – нарастание многообразия и экспериментов на фоне отсутствия последовательной эволюции. Точки схода между различными центрами: влияние «византийской волны» последней трети XII века и новый интерес к изображению человеческой фигуры.

Готический стиль Эпоха готического искусства. Формирование национальных государств. Генезис, истоки и специфика национальных культур. Ослабление Империи, рост влияния и значения Франции и Англии. Борьба между ними. Великая Хартия вольностей и создание английского парламента. Создание французского парламента при Людовике Святом. Победа Реконкисты в Испании. Рост городской культуры. Рост светской культуры, образования. Роль куртуазной культуры. Роль рыцарства. Крестовые походы, взятие Константинополя. 

Готическая архитектура. Собор - центральный образ готической архитектуры, его универсальный и синтетический характер. Собор как выражение картины мира. Доминанта архитектуры, определяющей нормы и в других видах искусства. Органичное единство архитектуры, изобразительного и декоративно-прикладного искусства в соборе. Тотальный смысл храма как материализация небесного, высшего мира - функция этого единства. Новая концепция интерьера – цельный, гораздо менее расчлененный, гомогенный, охватываемый одним взглядом

Архитектура Франции. Значение Иль де Франс для зарождения готического зодчества. 1140–1250: первый этап развития готической архитектуры во Франции. Апробация и сложение системы готической архитектуры в аббатстве Сен Дени Фасад, 1130 – 1140. Трехчастное деление стены. Перестройка хора с двойным деамбулаторием и лучевыми капеллами начата в 1140. и других ранних готических постройках (Санс: 1130–1162) Трехчастная стена с трифориями.. Связь применения нервюрного перекрытия в Иль-де-Франс с норманнским опытом.

Архитектура Германии. Параллельное развитие ранней готики во Франции и поздней романики в Германии. Школа поздней романики в Кельне – до 1230, Санкт Гереон, Санкти Апостоли, Санкт Куниберт. (При этом – проникновение некоторых готических элементов). В итоге - значительно более позднее распространение стиля, и его последствия в типологии и эволюции немецкой готики. Влияние Франции (не столько классических кафедральных соборов Севера, сколько более скромных - Бургундии и Юга) и национальное своеобразие архитектурных решений в соборе в Магдебурге - первой постройке целиком по готическому плану.

Архитектура Италии. Проблемы готической архитектуры Италии, возможности и степень внедрения готической конструкции. В начале - применение, на фоне романской традиции, лишь элементов готики, прежде всего нервюрных сводов (Ломбардия, Сан Амброджо в Милане). Цистерцианские монастыри - проводники форм цистерцианской готики в Италию, их влияние на культовую и светскую архитектуру.

Готическая живопись. Витраж - Зарождение витража в романскую эпоху. Технико-технологическая специфика искусства витража. Предпосылки его широчайшего распространения в готическом искусстве - в конструкции храмов, в самой природе готической архитектуры. Витраж как синтетическое выражение важнейших духовных, эстетических и стилистических особенностей готической эпохи. Фундаментальная роль и смысл света, его божественной природы, в витражной живописи. Закономерности восприятия. Распространение витража, эволюция стиля.

Развитие реализма в итальянском искусстве 17 века Краткая характеристика эпохи. Дух и стиль итальянского барокко. Караваджо – глава реалистического направления в живописи 17 столетия.

Балдахин базилики Святого Петра в Ватикане, выполненный Лоренцо Бернини, является ярким представителем художественного стиля, господствующего в это время в архитектуре. Работая над пространством в области главного алтаря, Бернини совместил первоначальную идею с существовавшей прежде идеей 12-колонной пергулы, которая находилась в конце нефа в Старой базилике, построенной при Константине. Размер балдахина соотносится с пространством под исполненным Микеланджело куполом, который имеет динамическую и ясную структуру и является символическим центром собора.

Эстетика барокко не сводится к одному театральному блеску и экстравагантности. Ее сущность шире, чем вкусы католической церкви. Католическая церковь удачно воспользовалась идеями барокко, сделав из искусства роскошную раму католицизма. Тот же Бернини совершенно иначе выполнил частный портрет Констанции Буонарелли – женщины, которую он любил. Ничего парадного, ничего броского, что свидетельствует о новых принципах реализма в искусстве этой эпохи.

Франческо Борромини. Гений-мастеровой. (1599-1667) – представитель стиля зрелого барокко в архитектуре. Интерьер дворцов. Безмятежный и блистательный талант Бернини сформировался в Риме в горячие годы начала века, когда ревностно определялись основные городские объекты. Погруженный в себя и бескомпромиссный Борромини, приехал в Рим около 1619 г. после ремесленного обучения мастерству каменщика в мастерской миланского собора. У него были сложные отношения с культурой и традициями. Борромини работал в тени Модерно и Бернини в непримиримом состязании с последним.

Искусство Испании 17 век Причины блестящего развития испанского Искусства. Краткая историческая справка развития Испании. Искусство барокко в архитектуре Испании. Застройка Мадрида. Черты Восточного искусства в интерьерах барокко. Эскориал.

Архитектура. Искусство барокко в архитектуре Испании. Застройка Мадрида. Черты Восточного искусства в интерьерах барокко. Эскориал. В преддверии 17 в. в архитектуре Испании господствовал интернациональный маньеризм со стилем платореско и идеями из Италии. В течение 15 в. Испания являлась прежде всего страной готического искусства. Введению форм и идей итальянского Ренессанса помешало запоздалое принятие стиля платореско. Ренессансные мотивы интерпретировались в чисто декоративном смысле – большинство исламских и готических элементов были также трактованы как чисто формальные элементы  - и прикладывались к структурам, которые оставались средневековыми в своей основе.

Творчество Эль Греко. Особенности его живописи. Первым подлинно великим испанским художником на рубеже XVI и XVII веков был не испанец, а грек родом с острова Крит, за что он и получил прозвание Эль Греко, настоящее же его имя Доменико Теотокопули. Крит был тогда последним очагом угасшей византийской иконописи, и в юности Греко, по-видимому, писал иконы. Потом он переселился в Венецию, учился у старого Тициана и вошел в круг знаменитых венецианских колористов. Его картины этого периода — вполне итальянские по духу, больше всего напоминающие Тинторетто. Но в них есть какая-то очень индивидуальная нота экстатичности, звучащая еще не в полную силу.

Реализм творчества Хусепе Риберы. Одним из первых представителей реалистической школы Валенсии был Хусепе Рибера (ок. 1591—1652), живописец и график. Он учился у испанского художника-реалиста Рибальты, был последователем Караваджо. Посетив Рим и Парму, Рибера поселился и большую часть жизни прожил в Неаполе, однако остался глубоко национальным художником. В творчестве Риберы преобладали религиозные темы, трактованные с жизненной достоверностью, бытовой конкретностью и драматизмом. Художник обращался также к мифологическим сюжетам, писал портреты, воплощая в них, как и в реализованных композициях, национально-самобытные индивидуальные характеры испанцев из народа.

Материализм творчества Франсиско Сурбарана. Художественные идеалы Испании 17 в. по-другому воплотились в творчестве Франсиско Сурбарана (1598— ок. 1664), сыгравшего важную роль в развитии испанского реализма. Он родился в сельской местности, художественное образование получил в Севилье. Сурбаран писал сцены из монашеской жизни, мучеников, святых, но в рамках религиозных сюжетов убедительно рассказывал о современной жизни Испании, передавал обыденные сцены в строгих размеренных ритмах и композициях, в монументальных формах. Персонажи Сурбарана наделены душевным благородством, способностью к сильным чувствам.

Диего Веласкес. Мастерство композиционного и колористического решения в работах художника. Портретная живопись Веласкеса. Испанская живопись достигает вершины в творчестве Диего Родригес де Сильв Веласкеса (1599—1660), одного из величайших реалистов европейского искусства. Через долгие годы придворной службы он пронес идеи гуманизма, верность демократической традиции испанской культуры, любовь к простым людям. Более непосредственно и смело, чем его предшественники, он обратился к реальной действительности, расширив тематику живописи, способствуя развитию в ней различных жанров.

В поздний период творчества Веласкес создает замечательные по силе обобщения и сложности композиции. В условиях наступления католической реакции в Испании он воскрешает античную тему, волновавшую мастеров итальянского Возрождения. В картине «Венера с зеркалом» (ок. 1657, Лондон, Национальная галерея), развивая традиции Тициана, Веласкес идет дальше в сближении образа богини с реальной женщиной. Полная обаяния молодая испанка запечатлена на ложе в случайной непринужденной позе.

Авангард (фр. avantgarde - передовой отряд) - категория, означающая в современной эстетике и искусствознании совокупность всех пестрых и многообразных новаторских, революционных, бунтарских движений и направлений в искусстве первой половины ХХ в., знаменовавших завершение многовекового периода существования классической европейско-средиземноморской художественной культуры и начало ее глобального перехода в иное качество. В России его впервые употребил А. Бенуа в 1910 г. в негативно-ироническом смысле для характеристики ряда "авангардистов" на выставке "Союза русских художников".

Художественно-эстетическая феноменология основных направлений авангарда. Экспрессионизм. Его суть заключается в обостренном, часто гипертрофированном выражении с помощью исключительно художественных средств и приемов чувств и переживаний художника, иррациональных состояний его души, чаще всего трагического и экзистенциально-драматического спектров: тревоги, страха, безысходности, тоски, нервозности, разобщенности, повышенной эмоциональности, болезненной страстности, глубокой неудовлетворенности, ностальгии и т. п.

Графический дизайн в России в настоящее время является наиболее востребованной и доминирующей формой дизайнерской деятельности, что обуславливает необходимость осознания и научного обоснования его различных направлений и в том числе - рекламного графического дизайна. Рекламный "бум" в современном обществе позволяет говорить об экспансии рекламной империи, важнейшей составляющей которой является проектирование визуальной и в том числе фотографической информации для различного рода носителей — полиграфических, телевизионных (скрин дизайн), изделий текстильной и легкой промышленности: костюма (молодежного, спортивного, специального и т.д.), интерьерного текстиля, экстерьерного текстиля.

История рекламной фотографии Фотодело в XIX веке Появление фотографии в 1830 году практически не оказало влияния на сферу графической рекламы. Вплоть до 1922 года фотография исполняла крайне незначительную роль в рекламном процессе, несмотря на ее незаменимую для продвижения товаров способность - идеально точно отображать рекламируемые изделия.

Развитие фотодела в начале ХХ века Начало XX века, для полиграфической промышленности, охарактеризовалось бурным ростом спроса на рекламные издания разного рода. Вероятно, первое внедрение фотографики в художественный дизайн текстильных изделий дотируется 1910 годом - сувенирный платок, выпущенный к 50-летнему юбилею Кренгольмской мануфактуры

Рекламная фотография на современном этапе Технологические новшества, которые к 1990-м годам коренным образом изменили издательско-полиграфическое дело, накапливались постепенно. Первоначально их не связывали с печатными процессами и передачей информации рекламного характера, а относили к разряду математики, вычислительной техники, информатики.

Аналоговая фотография и ее значение в рекламном дизайне Методы образования формы фотографической рекламы на основе контактной печати Историческое влияние графических искусств на фотографию прослеживается не только на всех этапах ее развития, но и лежит в основе возникновения фотографических технологий. Еще в XIX веке Жозеф Нисефор Ньепс проводил опыты по «гелиографии» с целью получения копий гравюр. С XIX века - попытки имитации графических рисунков тушью, карандашом, а также техник резцовой гравюры и офорта не прекращались и впоследствии привели к становлению нового направления в фотографии — фотографике.

Методы бесконтактной печати Изогелия - метод фотографики на основе бесконтактной печати который по внешнему виду сходен с двухтоновой или трехтоновой пятновой ксилографией или линогравюрой. Метод «изогелии» был изобретен в З0 - х годах XX века Витольдом Ромером в Польше. Принцип «изогелии» заключается в том, что с негатива изготавливают несколько контратипов, в которых добавляют контрастности изображения  различных степеней.

Современные принципы создания рекламной фотографии Использование цифровой техники в создании фоторекламы Целью фотоизображения с момента изобретения фотографии было донести до зрителя как можно более точные сведения об изображаемом объекте. Однако, фотография, изобретенная, во многом для репродуцирования произведений искусства, не могла не испытывать мощного влияния художественно-выразительных средств изобразительного искусства, и, в первую очередь - графики.

Методы обработки рекламной полиграфии Современная эпоха высоких технологий предоставила художнику компьютерные технологии, которые не имели аналогов в истории рекламного графического дизайна. Компьютерные технологии: объединили весь процесс проектирования рекламной графики в единый высокопроизводительный комплекс.

Мультипризмирование  - многократное повторение фотографируемого объекта или нескольких объектов на одном кадре является приемом исключительно аналоговой фототехнологии. В компьютерном варианте исполнение эффекта мультипризмирования -рядовая процедура при работе с несколькими слоями одинакового или различного фотоизображения. В отличии от «пленочного» варианта исполнения, когда фотограф исключительно «на глаз» определял возможный конечный результат, компьютерная технология мультипризмирования позволяет соединять кадры фотосъемки в любом, удобном для работы дизайнера, порядке, менять степень их прозрачности, а также свободно редактировать фотографическую композицию

Создание компьютерных фотоэффектов Все сложные компьютерные фотоэффекты строятся на использовании нескольких слоев оригинального фотоматериала и различных методах их совмещения. Применение многослойности позволяет создать бессчетное количество всевозможных эффектов на основе одного или нескольких изображений. Такие эффекты уже сложно назвать производными от приемов аналоговой фотографики, они переросли в отдельную группу, не имеющую аналогов в "пленочной" фотографике.

Пути совершенствования проектирования рекламных фотографий Развитие электронно-вычислительной техники в конце XX века позволило выйти на автоматизированное проектирование рекламных: графических композиций в том числе - на текстильных носителях дизайна. Сочетание возможностей построения сложных рекламных; графических композиций, включающих шрифтовую информацию с "чистотой" исполнения - это те качества, которых достаточно сложно добиться при мануальном способе создания композиций.

Шрифты в различных семействах -гарнитурах - имеют одну основу начертания и носят общие названия, например: "Футура". "Гоуди", "Бодони", "Прагматика" и т.д. В пределах одной гарнитуры может меняться насыщенность, наклон, а также графика начертания: узкий, широкий, жирный и т.д. Таким образом, в пределах одной гарнитуры можно создать контраст и акцент.

Развитие технологий аналоговой фотографии и их использование крупнейшими мастерами графического искусства Америки, Западной Европы, России в первой половине XX века заложили основы развития фотографики в современном рекламном графическом дизайне.

Альтернативный дизайн в 70-е годы Несмотря на рост популярности в 60-е годы модернизма как стиля и идеологии, одновременно формировалась серьезная оппозиция пуристическим теориям и практике. Хотя молодые архитекторы из Токио, Лондона, Вены и других метрополий создавали утопичные проекты городов будущего, некоторые из них стали уже сознавать, что будущее не может выглядеть только "розовым".

Государственный дизайн. Всесоюзный институт технической эстетики (ВНИИТЭ) В 1962 году специальным постановлением Совета Министров СССР был создан Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики- (ВНИИТЭ). На Институт возлагалась разработка и внедрение методов художественного конструирования, координация научно-исследовательских работ в этой области, методическое руководство работой специальных художественно-конструкторских бюро, обобщение и распространение лучшего отечественного и зарубежного опыта в дизайне, а также разработка проектов отдельных видов массовых и наиболее сложных изделий машиностроения и товаров культурно-бытового назначения

Дизайн постиндустриального общества В постиндустриальном обществе 80-х была окончательно разрушена господствовавшая до этого доктрина современного движения "форма следует за функцией" и семантическое значение объекта теперь стало столь же важным, как и его практический смысл. На смену функциональному диктату модерна ("современного движения") пришли поп-культура и различные течения радикального дизайна, подготовив почву для появления нового стиля - постмодерн. Плюрализм стилистических течений и эстетических взглядов стал общественным феноменом 70-80-х.

Дизайн 90-х. Экспоненциальный рост достижений в области высоких технологий, таких как микроэлектроника, кибернетика, бионика и робототехника, дают основание полагать, что мир в своём технологическом развитии движется к определённой эволюционной асимптоте, некоторой точке на оси времени, при приближении к которой ряд ключевых показателей прогресса стремится к бесконечности. Развивается дизайн программных интерфейсов, дизайн виртуального мира. Мир предметов окрашивается в яркие природные цвета, перекликаясь с бионикой, становится квазиприродой, созданной человеческими руками.

Шкала новых экологических идей сегодня охватывает от съедобной упаковки из крахмала или вафли до полностью утилизируемого компьютера. Экологический аспект во многом затронул и дизайн городской среды. Техногенная среда современных городов, их интенсивный рост вызвали серьезные экологические проблемы, связанные не только с загрязнением окружающей среды, но и психологической изоляцией человека, его оторванности от естественного природного окружения. Если первые являются прерогативой, в первую очередь, архитектуры и градостроительства, то проблемы психологического комфорта окружающей человека пространственной среды находятся в центре внимания дизайна городской среды.

Античное искусство (от лат. antiquus — древний) — исторический тип искусства. Античностью  называют эпоху Древней Греции и Рима

Материковая Греция представляет собой ряд относительно изолированных невысокими горными хребтами районов, каждый из которых имеет свои природные условия и неповторимый  пейзаж. Это обстоятельство способствовало сохранности отдельных и еще очень слабых  очагов цивилизации от истребительных войн и массового переселения народов, какое  имело место, к примеру, в степных районах Азии.

 Антропоморфизм мироощущения древних греков не столько был новшеством культа, сколько свидетельствовал о духовном рождении человека, свершившимся спустя, может быть, несколько миллионов лет после его физического появления на планете Земля. Отсюда величие  эллинского искусства, прежде всего — архитектуры и скульптуры как изображения  или, точнее, преображения одухотворенного человеческого тела.

Греческая скульптура архитектонична, а архитектура изобразительна, скульптурна. Границы между архитектурой, скульптурой, росписью, вазописью, торевтикой, глиптикой были относительны и подвижны, точно так же, как между конструкцией и внешней формой. Все было целостно и находилось в счастливом равновесии. Но эта гармония возникла  в результате длительного процесса художественного, образного осмысления первоначальных  утилитарных конструкций.

Ионийский стиль проникал в Афины в течение длительного времени с берегов Малой Азии через острова Эгейского моря не без влияния иолийского и крг.томикенского искусства.  Ионические волюты, зофорный фриз и, наконец, кариатиды — все эти элементы ионийского  искусства уже были известны ранее в построенной ионяками острова Сифнос сокровищницы  в Дельфах.

В эпоху Александра Македонского преобладающее значение получает  еще более деструктивный стиль — коринфский. Ведь коринфская капитель — это изображение в камне корзины или  букета с листьями гкакта, на которые опереть ничего нельзя. Знаменитый Памятник Лисикрата (334 г. до н. э.} — типичный пример абсолютно нефункционального и, с  конструктивной точки зрения, ложного архитектурного сооружения, рассчитанного  лишь на внешнее впечатление монументальности.

 Античные  живописцы пользовались всего четырьмя красками: желтой, красной, белой к черной, но не потому, что были равнодушны к цвету. Пестрая раскраска зданий и статуй свидетельствует  как раз об обратном. Скорее и здесь сказалось осязательное отношение к форме и игнорирование пространственных задач.

 Вместе с тем, античная  скульптура принципиально геометрична. Б. Фармаковский отмечал, что «греческое искусство всегда до известной степени — искусство геометрическое... античная классическая скульптура — это высшая стадия развития геометрического стиля, присущего грекам  еще с архаических времен. Греческое искусство выросло из геометрического стиля,  и по своей сути этот стиль никогда не менялся»

Весьма примечательно, что в лучших статуях античности головы — совсем не самые главные части фигур, они трактованы точно так же,  как, скажем, рука, бедро, стопа. Это застывшие маски, которые вследствие своего отвлеченного геометрического характера не только не несут характерных этнических или психологических черт, но даже не имеют явных признаков пола.

 Несколько иной характер имело искусство Древнего Рима, прежде всего архитектура. Существует упрощенный взгляд, что римляне в области искусства все переняли у греков и не создали ничего своего.  Действительно, они с легкостью и мудрой практичностью заимствовали культурные  достижения завоеванных стран

Романское искусство (франц. Romanesque, исп. romanico, нем. Romanik от лат. romanum  — римский) — обобщающее название различных памятников: второго после раннехристианского  периода развития искусства западноевропейского средневековья (см. средневековое  искусство). Термин «романский», появился в начале XIX в., когда историки и художникиромантики,  открыв для себя искусство раннего средневековья заметили, что архитектура этой  эпохи внешне напоминает древнеримскую. 

 Орнаментика романского искусства, большей частью заимствованная на Востоке, основывалась на предельном обобщении, геометризации и схематизации изобразительного образа.  Во всем чувствовалась простота, мощь, сила, ясность. Романская архитектура — характерный  пример рационального художественного мышления. Одна из архитектурных форм раннего  романского искусства — центрическая купольная постройка, композиция которой берет  свое начало от Пантеона, построенного сирийцем в 118 125 гг. н.э. в Риме, и развитая в дальнейшем в баптистерии в Равенне и дворцовой капелле Карла Великого в Аахене.

Характерно отсутствие какой либо определенной программы в  размещении декоративных мотивов: геометрических, «звериных», библейских —  они перемежаются самым причудливым образом. Сфинксы, кентавры, грифоны, львы игарпии мирно уживаются рядом. Большинство специалистов считает, что вся эта фантасмагорическая фауна лишена символического смысла, который им часто приписывают, и имеет преимущественно декоративный характер.

Новые импульсы  получило развитие романского искусства  в период правления Карла Великого (768814, см. Каролингское Возрождение) и в связи с основанием в 962 г. «Священной  Римской империи» Оттоном I (936973). Архитекторы, живописцы, скульпторы возрождали  традиции древних римлян, получая образование в монастырях, где в течение столетий  бережно сохранялись традиции античной культуры.

Романтизм (франц. romantisme от лат. romanum римский от Roma — Рим) — одна из двух, наряду  с Классицизмом, основополагающих тенденций художественного мышления. Однако исторически  сложилось, что этим словом стали называть широкий круг самых разных явлений. В  конце XVIII в. романтическим или «романическим» называли все необыкновенное, фантастическое,  то, что происходит «как в романах».

Гейнсборо  положило начало течению «питтореск», или «пикчуреск» (англ. picturesque — живописный). Этим термином обозначали живопись романистов К. Лоррена, Н. Пуссена, С. Роза, а затем и своих пейзажистов, таких как У. Тёрнер. Английский пейзаж, как и английский пейзажный стиль в парковом искусстве,— типичный Романтизм, отражавший  стремление к естественному, стихийному ощущению красоты в природе.

Идеи романтизма закономерно возникают на почве неудовлетворенности действительностью,  кризиса идеалов Классицизма и рационалистического мышления, стремления уйти в  мир идеальных представлений, утопических мечтаний о совершенстве мира. Как ни в каком другом "направлении искусства, художникиромантики убеждены, что их направление — единственно верный путь.

Таким образом, Романтизм в искусстве — чрезвычайно емкое понятие, включающее различные исторические художественные стили: Готику и Барокко как выражение романтического христианского  сознания, романизм как идеализированное, романтическое изображение античности  и итальянской природы, отчасти Неоклассицизм, ведь воспоминание классики также романтично, Неоготику — парафраз средневековой романтики и все иные неостили:  «неоренессанс», «русский стиль», руссковизантийский, мавританский, «индийский»,  «тюркри»...

Романтизм  живописен. Живописец романтик Э. Делакруа заметил, что «Великий Пуссен, художник философ... придавал идее несколько большее значение, чем того требует живопись...  впадал в некоторую нарочитость...

 Несмотря на общность  хронологических рамок романтического движения начала XIX в., в каждой из европейских стран оно протекало посвоему. В Италии, на родине названия этого направления, Романтизм развивался в русле традиционного римского Классицизма и деятельности  живописцев иностранцев: нидерландцев, французов, немцев, называвшихся вот уже несколько столетий романистами. Во Франции Романтизм как художественное направление  вырос из сентиментализма, или преромантизма эпохи Просвещения.

Барокко (итал. barocco через исп. от португ. baroco — причудливый, дурной, неправильный,  испорченный). Термин «барокко» имеет в истории искусства множество значений. Среди  них более узкие, для обозначения художественных стилей в искусстве различных стран  XVIIXVIII вв., либо более широкие — для определения вечно обновляющихся тенденций беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, динамичных формах, либо вообще как поэтическая метафора: «человек Барокко», «эпоха Барокко», «мир Барокко», «жизнь Барокко» (итал. «La vita Barocca»). 

 Родиной Барокко стала Италия, и произошло это по двум основным причинам. Первая заключалась в том, что новый стиль складывался в ходе формального усложнения архитектуры Итальянского  Возрождения. «Высокий Ренессанс уже на три четверти Барокко»,— писал И. Грабарь  . Новый стиль стал для Италии своеобразным архитектурным Маньеризмом, реакцией  на исчерпавшие себя возможности рационального классического мышления.

  В то же время архитектура раннего римского Барокко, на первых порах сохраняла симметрию фасадов и элементы классического ордера, лишь усиливая их вертикализм и живописность. Недаром замечают, что она во многом близка архитектуре императорского Рима. И, в тоже время, композиции  римских барочных церквей с их базиликальным планом и высокими, симметрично расположенными башнями поразительно напоминают готические.

Архитектура Барокко — это синкопированные ритмы столкновений масс, противоборства инертного  объема и динамичного ощущения пространства, материальности стены и иллюзорной  глубины, набегающего шага вертикалей колонн и многократно раскрепованных горизонталей  карнизов

 Наиболее радикальное течение римского Барокко называется — «стиль иезуитов». Его главное произведение — церковь Иль Джезу в Риме архитектора Джакомо делла Порта (1575). Стиль иезуитов связан с движением контрреформации  и идеей абсолютизма римской католической церкви. 

 Второй после красоты в эстетике Барокко следует категория грации (лат. gratia — прелесть, изящество) или кортезии (итал. cortesia  — вежливость, нежность, теплота), что соответствует изобразительным качествам  движения, пластики, изменчивости. Другая важнейшая категория — «декорум» — отбор соответствующих тем и сюжетов. В них входят только «достойные», прежде всего исторические, героические.

Термин «Барокко» имеет и еще множество иных значений. Своеобразную форму получили элементы стиля Барокко в Англии (см. Реставрации Стюартов стиль; Якова стиль; Анны стиль; Марии стиль. В Германии борьба реформации и контрреформации, с той и другой стороны, также отражалась в искусстве в формах Барокко

Рокайль, рококо (франц. rococo — вычурный, причудливый от rocaille — скальный от roc — скала, утес). Рококо — оригинальный художественный стиль, выработанный  в искусстве Франции первой Половины XVIII в. То же, что стиль ЛюДовика XV, так  как совпадает с временем Правления этого короля (17201765). Роко — один из самых  известных «королевских стилей». Происхождение его назвачия и основных форм тесно связано с Понятием «рокайль».

Стремление к интимному стилю оформления интерьера после шумной и помпезной эпохи Людовика XIV появилось еще в период Регентства. Центром формирования новой культуры XVIII в. стал не дворцовый парадный интерьер, а салон, быт частного дома. Заправляли французскими салонами женщины, именно они создавали среду, в которой формировалась  новая аристократическая культура со своим языком — изящным, галантным и ироничным,  с определенными правилами поведения.

 Идейной  и эмоциональной основой стиля французского Рококо стал гедонизм и индивидуализм,  сформировавшийся еще в период Регентства, а формой — интимная и игривая грация, «дух мелочей прелестных и воздушных», как определил ее русядай поэт М. Кузмин.  Эстетика мимолетного, неуловимого, изменчивого и капризgoro нашла свое выражение  в жанре «каприз» (франц. caprice — каприз, причуда), отличающегося, однако, от барочного «кауриччи» своей легкостью и веселостью — это всего лишь «красивая миниатюра», пустяк.

Рококо предельно живописна, бегла, почти импрессионистична. Впервые в истории искусства легализованы изображения обваясенного тела в откровенно эротическом смысле, натурщиц  в вызывающих позах, дашь слегка замаскированных с помощью малозначащих атрибутов под Диан и Венер.

Рококо — один из самых «формальных» стилей, в нем важнее не «что», а «как» делается художником, не что изображено в каждом конкретном случае, д каким образом это оформлено. И в этом Рококо ближе всего музыке. Рококо есть удивительный пример  «мнимой пластики» трансцендентности изобразительных мотивов, являющихся, по существу,  музыкальной организацией форм.

Большую роль в распространении стиля Рококо сыграла орнаментальная гравюра. Жанр орнаментального гротеска, основоположником которого во Франции еще в XVI столетии был Ж.А. Дюсерсо развивался в творчестве художников орнаменталистов эпохи Людовика XIV Ж. Лепотра и Ж. Берена, нашел свое естественное продолжение в период Регентства у К. Одрапа, А. Ватто, а наивысший взлет — в безудержных рокайльных фантазиях Н. Пино, Ж.О. Меиссонье, Д. Маро и Ф. Кювилъе.

Классицизм,  Классицистический стиль (нем. Klassizismus от лат. classicus — см. классика, классическое искусство). В отличие от классики, классицизм — не качественное,  а функциональное понятие, оно выражает определенную тенденцию художественного мышления, основанную на естественном стремлении к простоте, ясности, рациональности,  логичности художественного образа, т. е. на рациональноидеализирующем архетипе  мышления.

 В 1956 г. Г. фон Грюнебаум выдвинул четыре составные части «Классицизма как направления в культуре»:

 1. Прошлая (или чуждая) фаза развития  культуры признается полной и совершенной реализацией человеческих возможностей.

  2. Эта реализация усваивается как законное наследие или достояние.

 3. Допускается, что облик настоящего может быть изменен по образцу прошлого (или чуждого) идеала.

 4. Чаяния, характерные для прошлой или же чужой культуры,  принимаются как образцовые и обязательные для настоящего.

 Чтобы отличать понятие Классицизма как одной  из основополагающих тенденций мышления и художественного направления от соответствующего  стиля, правильней говорить не «стиль классицизм», а. «стиль Классицизма». В этом случае подразумевается, что, как и во всех иных художественных направлениях, эпохах  и периодах развития искусства, классицистическое мышление может выражаться в разных  формах и художественных стилях, но наиболее соответствующий этому содержанию стиль — классицистический.

В архитектуре Классицизма существует определенный набор формальных признаков. Горизонталь преобладает над вертикалью. Композиционно выделяется ось симметрии, отсюда обычное трехчастное деление фасада с укрупненным центральным и двумя меньшими  боковыми ризалитами. Все формы тяготеют к квадрату, окружности, полуциркульной  арке. В плане особенно популярны центрические сооружения, обеспечивающие равноценность  восприятия с различных точек зрения. 

 В целом тенденция к архитектурности изображения в живописи ведет к тому, что красочность уступает  место светотеневой моделировке объемов. Художник Классицизма всегда ищет повод  для изображения обнаженных фигур, только потому, что это дает возможность продемонстрировать  конструктивное мышление.

Готика, готический стиль (франц. qothique, от итал. gotico, лат. Gothi — готы — общее название племен, вторгавшихся с севера в пределы Римской империи в IIIV вв. и  см. стиль) — исторический художественный стиль, господствовавший в западноевропейском искусстве в XIIIXV вв. Он возник на основе народных традиций готов, достижений  романского искусства, главным образом архитектуры, и христианского мировоззрения.

Классическая  стадия развития искусства готического стиля, так называемая «Высокая  готика», приходится на годы правления Людовика IX Святого (12261270), поздняя — Карла V и Карла VII Валуа. В XIVXV вв. Готический стиль проник в Северную Италию.  Готика явилась результатом длительной, многовековой эволюции средневекового искусства,  его высшей стадией и одновременно первым в истории общеевропейским, интернациональным художественным стилем

Формы  архитектуры стали выражать христианскую идею духовности, устремления ввысь, к небу. Готические строители соревновались — кто выше поднимет своды собора. Ребристые своды складывались из мелких клинообразных камней и со временем были настолько  усовершенствованы, что становились упругими и легкими, в корне меняя представления  о тяжести каменной конструкции.

Процесс дематериализации готической архитектуры приводил к тому, что из тектонической  и замкнутой она превращалась в пластическую и пространственную композицию. Готический  собор — в большей степени организация пространства, как внутреннего, так и наружного,  чем формы.

 Готика заимствовала с Востока, но не от арабов, а из Византии, идею цветосветовой организации пространства собора, претворив ее совершенно иначе, не средствами мозаики, а сиянием цветных стекол витражей и динамикой нервюр. Новая конструкция окончательно освободила стену от нагрузки, витраж заменил традиционную роспись и мозаику, и вся стена превратилась в одно большое окно.

 Готические соборы с их скульптурой, рельефами и ажурными орнаментами (дяошь раскрашивались, снаружи и изнутри. Эта окраска почти не дошла до нашего времени. Можно представить,  какое впечатление производили раскрашенные статуи в полумраке собора

Расцвет Готики — это и расцвет статуарной скульптуры. Статуи соборов Реймса и Наумбурга  с очевидностью доказывают это. «Повышается самостоятельная ценность фигуры... у ангелов высокой Готики... женственная тонкость головы доходит до изящества,  до изысканности, грациозная улыбка играет на тонко очерченных губах, волосы схвачены  повязкой, и красивые локоны образуют прическу, ближайшее подобие которой мы можем найти у женщин Аттики времен Фидия».

Архитектура была главным формообразующим фактором готического стиля. Мебель, предметы  церковной утвари из позолоченного серебра, дерева и слоновой кости повторяли в миниатюре композицию архитектурных сооружений и их декоративных деталей. Таковы,  в частности, архитектонические дарохранительницы, реликварии, небольшие переносные алтари складни.

 Последнюю кризисную стадию развития стиля  «интернациональной готики» Северной Италии XV столетия часто называют «готическим маньеризмом». В ней особенно сильно проявились экспрессивная надломленность формы,  острая, доходящая до гротеска, графичность, обилие сложных аллегорий, символики, странных, болезненных преувеличений, трансформаций, мельчайшая выписанность натуралистически  трактованных деталей, сверкающих подобно драгоценным камням в живописной оправе.

Признаки готического стиля Сохранившиеся планы и рабочие чертежи грандиозных соборов средневековья (Кельнского, Венского, Страсбургского) таковы, что не только составлять их, но и пользоваться ими могли лишь хорошо подготовленные мастера. В 12—14 вв. были созданы кадры архитекторовпрофессионалов, подготовка которых стояла на очень высоком по тому времени теоретическом и практическом уровне. Таковы, например, Виллар де Онненкур (автор сохранившихся записок, уснащенных обильными схемами и рисунками), строитель ряда чешских соборов Петр Парлерж и многие другие.

Интерьеры готических соборов не только грандиознее и динамичнее интерьеров романского стиля — они свидетельствуют об ином понимании пространства. В романских церквах четко разграничивались нартекс, продольный корпус, хор. В готических соборах границы между этими зонами теряют свою жесткую определенность. Пространство среднего и боковых нефов почти сливается; боковые нефы повышаются, устои занимают сравнительно малое место. Окна становятся больше, простенки между ними заполняются фризом из арочек. Тенденция к слиянию внутреннего пространства сильнее всего проявилась в архитектуре Германии, где многие соборы строились по зальной системе, т. е. боковые нефы делались той же высоты, что и главный.

Особенности проявления готического стиля в разных странах Франция Париж стал в позднее средневековье уже не только фактической столицей государства, но и общепризнанным центром его культурной жизни, в нем насчитывалось около ста цеховых организаций ремесленников, среди которых не последнее место занимали каменщики и ваятели, а число жителей к концу XII в. достигло почти ста тысяч, что было тогда беспримерным. Основанный в 1215 г. Парижский университет стал центром средневековой учености, в котором значительную роль играло пробивавшееся сквозь церковную схоластику стремление к точным наукам.

Англия Различие в отношении высоты к длине между памятниками английской готики и французской (да и вообще материковой) сыграло решающую роль во всем развитии английского зодчества в позднее средневековье, зодчества, которому мы обязаны множеством замечательных памятников. Какова же была причина такого различия? Завоеванная норманнами, принесшими с материка уже сложившуюся культуру, британская островная держава была первой страной, перенявшей от Франции вслед за романским готический стиль, который она и переработала на свой лад.

Готика развивалась в странах, где господствовала католическая церковь, и под её эгидой феодальноцерковные основы сохранялись в идеологии и культуре эпохи готики. Готическое искусство оставалось преимущественно культовым по назначению и религиозным по тематике: оно было соотнесено с вечностью, с «высшими» иррациональными силами. Для готики, характерны символикоаллегоричный тип мышления и условность художественного языка. От романского стиля готика унаследовала главенство архитектуры в системе искусств и традиционные типы зданий. Словарь 

Итальянское возрождение (итал. rinascimento, фран. renaissance — возрождение) — переломная  эпоха в развитии итальянского и мирового искусства XV XVI вв. Художники того времени возрождали античные формы, но вкладывали в них иное, новое содержание. Слово «возрождение»  впервые употребил в 1550г. итальянский художник Дж. Вазари, автор «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих». 

Вопреки устаревшим представлениям, резко разграничивающим искусство средневековья и Возрождения, на многочисленных примерах можно видеть, как идеология Итальянского Возрождения буквально «вырастает» из христианского средневековья

  Прекрасный человек эпохи Возрождения — не бесстрастное гармоничное тело, стасоту которого, как это было в эпоху греческой классики, может лишь исказить выражение чувств и мыслей. Все искусство Итальянского Возрождения пронизано размышлениями о Божественной  красоте и иудрости в устройстве мира. Оно было очень земным и одновременно возвышенным. 

 Постепенно, с распространением идей гуманизма о подражании природе и возвеличивании человека, художники стали осознавать, что самой прекрасной формой в природе является человеческое тело. Именно здесь «древние» стали образцом. Изображение человеческой фигуры в скульптуре  и живописи становилось все весомее, материальнее. 

Художники  Итальянского Возрождения, в отличие от своих предшественников, средневековых мастеров, стали искать Божественную красоту не в небе, а на земле, стремились понять Божественное через земное, да к тому же, отождествив его с красотой античных  форм. Это было невозможное сочетание. Отсюда вся неустойчивость, скоротечность  и даже трагизм эпохи Возрождения. 

Византийские влияния достаточно сильно ощущались на всей территории Италии и даже в творчестве художников римского классицизма. Так, в VIII IX вв. получил широкое распространение  тип «римской» иконы Богоматери Одигитрии (греч. Odighitria — Путеводительница,  или Наставница), пришедший из Византии через италокритскую школу.

Так, в итальянской скульптуре постепенно формировалось особое чувство формы, пластическое качество, так ярко отличавшее итальянское искусство XV XVI вв. от искусства Северного Возрождения Германии и  Нидерландов. На севере развивались традиции орнаментальности, декоратиеизма и  графического начала, в Италии — объемность, пластичность формы.

Ренессанс даже не коснулся подлинной античности — где уж было ему понять ее и «возродить». Абсолютно полоненное литературными впечатлениями сознание флорентийского кружка  пустило в ход это соблазнительное название — возрождение античности... в архитектуре... все античные детали ничего не значат, сами по себе, если они самим способом их применения выражают нечто неантичное». 

 Принципиально новым было и использование мотива аркады, не имевшего прототипов в античном искусстве. Греки вообще не использовали арку, римляне не опирали импосты арок непосредственно на колонны. Брунеллески, а за ним и другие, смело использовал чисто арабский принцип, вероятно, приняв его за античный, связав в единую конструкцию колонну и арку.

Искусство  Итальянского Возрождения крайне неоднородно. В своем развитии оно прошло ряд  очень разных, почти взаимоисключающих этапов. Период XIII в., так называемое дученто (итал. duecento — двести, двухсотые годы), является предренессансным, иногда его называют проторенессансом (от греч. protos — первый, изначальный). Еще в XIIXIII  вв. в архитектуре Тосканы, в г. Флоренции появляется новый архитектурный стиль,  непохожий на готику. В 1260е гг. работавший в г. Пизе скульптор Никколо Пизано  опирался на позднеантичные и раннехристианские образцы.

Итальянское кватроо — это мечты, сны наяву, какаято Цетская радость узнавания, восхищение Только что открываемыми возможностями Искусства. В представлении кватрочентистов  самым невероятным образом смешизвались сюжеты Библии, рыцарских легенд, античных  мифов и непосредственные впечатления реальной жизни.

 Различие художественной концепции искусства кватроченто и чинквеченто заключается в смене натурализма идеализмом духовного величия христианских образов. Лучшим доказательством тому служит «Сикстинская мадонна» Рафаэля. Однако на этом развитие не остановилось. Главной темой чинквеченто вскоре становится разнообразие движений, мотивированных не сюжетно, а формально, пластически, как в знаменитых фигурах сикстинского плафона  Микеланжело

«Высокое Возрождение» оборвалось внезапно. В 1520г. умер Рафаэль. Леонардо уже год как не было в живых. Многим, наверное, казалось тогда, что вотвот явится еще один Рафаэль или Леонардо. Но этого не произошло, что само по себе необычайно: настолько был развит стиль и крепка школа

Это позволяло говорить некоторым исследователям о том, что Итальянское Возрождение — «несостоявшаяся эпоха». Ведь большая часть ее самых выдающихся произведений осталась лишь в проекте. "«Тайная вечеря» Леонардо не была закончена и начала  разрушаться на глазах у Автора. Его же конная статуя Ф. Сфорца ее была отлита  из бронзы, а модель погибла.

 Характерное для всей ренессансной культуры стремление распространить идею Божественной  гармонии и благодати на весь материальный мир претворилось в деятельности северян  более остро и своеобразно, чем в Италии. Движимые страстным религиозным чувством, порой на грани фанатизма, они обожествляли каждую травинку своего северного пейзажа.

Вторая особенность Северного Возрождения — экспрессивность. Немецкие художники никогда не изображали неподвижные фигуры одну подле другой, как это делали мастера итальянского  кватроченто. Красота обнаженного тела и иллюзорная глубина изобразительного пространства  мало их волновали.

 Другое известное определение стиля Северного Возрождения — «магической реализм». Искусство Севера, действительно, самым невероятным образом, не только метафизично, но и удивительно конкретно. Так, взамен  некоего подобия покрывал, которыми Рафаэль окутывал свои идеальные фигуры, одеяний,  которые никто никогда не носил, северяне изображали обычную одежду своего времени, причем с точнейшим образом выписанными деталями. 

В искусстве Северного Возрождения большую роль играли возникшая на границе Фландрии и Франции франкофламандская школа живописи XIV—XV вв. и парижская школа книжной миниатюры, мастера которой  работали для герцогов Бургундского и Беррийского. На искусство Германии сильное влияние оказывало наиболее «готизирующее» из всех нидерландских живописцев искусство  Р. фан дер Вейдена.

Маньеризм  всегда свидетельствует о вырождении одного и скором пришествии нового стиля. Наиболее ярко эта его роль проявилась в Италии, где маньеристические тенденции предвещали рождение Барокко. У. Вёлырлин писал о том, что не случайно Маньеризм получил такое мощное развитие в Италии, где «культ пластики обнаженного тела был  особенно развит... 

В архитектуре Италии второй половины XVI в. Маньеризм проявился в произвольном  смешении и алогичном использовании элементов различных ордеров, романских и готических  архаизмов. Разрушение строгой, логичной связи элементов ордера, присущей классической  системе, можно было бы назвать эклектичным и нехудожественным, если бы не новые,  пусть и алогичные, композиционные принципы, которые заключались, прежде всего,  в смене тектонического формообразования пластическим.

Маньеризм проявился и в итальянской скульптуре, главным представителем которой в конце XVI в. был Б. Челлини Его произведения при всей их кажущейся классичности отличаются дробностью формы, одинаковым вниманием ко все деталям без учета их отношения к целому, чего не было у его великих предшественников Донателло, Микеланжело.

  Модерн, «стиль модерн»  (франц. moderne от лат. modemus — новый, современный) — период развития европейского искусства на рубеже XIXXX вв., главным содержанием которого было стремление художников  противопоставить свое творчество Историзму и эклектизму искусства второй половины  XIX столетия — отсюда название. Поэтому термин «модерн» следует отличать от общего смысла слова «современный» или «современное искусство», а также термина «модернизм»,  обозначающего все наиболее авангардистские, экспериментальные и формалистические  течения в искусстве XX в.

Модерн стремился впитать в себя все. Но у искусства Модерна были свои предтечи. В их числе часто называют У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов, английских графиков У. Крэйна и У. Блейка. На искусство  Модерна возлагались большие надежды. После столь длительного периода эклектики и бесстилья настойчиво искали его историко культурное обоснование.

Главной особенностью искусства Модерна является то, что новое в нем формировалось  прежде всего в области архитектуры, декоративного и прикладного искусства, но  не столько самими архитекторами, сколько живописцами и графиками. Точно так же в XVIII в. в эпоху Рококо, творцами нового стиля были живописцы и рисовальщики,  подчинившие придуманному ими мотиву рокайля всю архитектуру, скульптуру, мебель.

 С 1881 г в Брюсселе О Маусом издавался журнал «Современное искусство» («L Art Moderne») На его страницах  впервые появился термин «новое искусство» («L Art Nouveau») В 1894 г этот термин  сделал программным в своем творчестве бельгийский живописец, а затем архитектор А Ван де Велде

В Австрии Модерн называли «сеиессион» (от лат secessio — отделение уход) так как движение за новое искусство на чалось с демонстративного выхода группы молодых  художников из состава выставоч ной организации «Glaspalast» («Хрустальный дворец»)  в знак протеста против рутины академизма 

Стремление  русских художников к организации целостной «художественно романтической» среды  проявилось в необычайно ярком явлении культуры «fin de siecle» — знаменитых «дягилевских сезонах» в Париже. Балетные постановки С. Дягилева с их соединением театра, музыки, искусства костюма и декорации называли «утонченной стилизацией модерна». Национальные  мотивы, стремление к созданию неорусского стиля проявились в деятельности абрамцевского  кружка и мастерских Талашкино.

В искусстве Модерна декорация начала отделяться от конструкции и становиться самоцелью.  Отсюда безудержная прихотливость орнамента, нарушающего всякую тектонику вещи,  на первых стадиях развития искусства Модерна и общая атектоничность композиции — на втором. В более глубоком смысле следование «новому стилю» означало стремление  к созданию «нового стиля жизни» — художественного «синтеза окружающей человека среды, пространства и времени, в котором он живет, »

Особое место занимал в искусстве Модерна символизм. В качестве самостоятельного художественного  течения символизм получил развитие преимущественно в литературе, в особенности в поэзии начала XX в. В России этот период получил название «серебряного века»,  во Франции символизм быстро переродился в сюрреализм. Изобразительное искусство по своей природе менее подходит для выражения символистских образов, туманных  и неясных, поэтому живописцы и графики, считавшие себя символистами, как, например,  И. фон Штук, часто впадали в салонный и ЗДащавый натурализм с примесью пошловатых аллегорий, с двусмысленной, примитивной эротикой

Модерн иногда отталкивает натуралистичностью деталей, но в целом это искусство глубоко  интеллектуально, поскольку его художники творчески переосмысливают всю историю европейского искусства. Это особенно хорошо видно на примерах рядовой застройки жилых домов петербургского модерна. Их отличает подлинно классическая строгость пропорциональных членений фасадов, но с характерной асимметричностью композиции,  полукруглые или многогранные эркеры, майоликовые фризы, сильный вынос кровли на  кронштейнах, ассоциирующийся с итальянской архитектурой, мелкая расстекловка окон,  часто трапециевидных или с закругленными углами и нарядными наличниками — парафраз  северного, «петровского барокко», такого родного для Петербурга.

Импрессионизм (франц. impressionnisme от impression — впечатление) — в конкретноисторическом  значении течение французской живописи последней трети XIX в. Весной 1874г. группа  молодых художников живописцев: К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, А. Сислей, Э.  Дега. П. Сезанн. Б. Моризо, проигнорировав жюри официального Салона, устроила собственную выставку. Всех этих очень разных художников объединила общая борьба с консерватизмом и академизмом в искусстве.

Абсолютизация зрительного подхода к изобразительному искусству сделала импрессионистов «фанатиками  зрения», приносящими в жертву оптическому методу разнообразное содержание художественного творчества. Для художника импрессиониста по большей части важно не то, что он  изображает, а важно «как». Объект становится только поводом для решения чисто  живописных, «зрительных» задач.

 Вместе с «коричневым тоном» старых мастеров и презираемых академистов импрессионисты отбросили и всю глубину живописи, ее душу как выражение трансцендентного устремления к пространствен, новременной бесконечности и заменили ее внешним, поверхностным смотрением на предмет, абстрагируя его от всех смыловых связей. Вот почему вместе с наступлением импрессионизма «душа живописи отлетела»

Содержание  понятия «импрессионизм» намного шире названия течения французской живописи последней трети XIX в. Как творческий метод, система мироощущения и самовыражения  художника «импрессионизм», вероятно, всегда присутствовал в истории искусства  задолго до появления этого слова.

 И все же, после французских импрессионистов мир живописи стал иным. Художники уже не могли писать постарому. Прав был Волошин, утверждавший, что мы воспринимаем мир «глазами своих живописцев»  Однако изменения мировосприятия, сыгравшие столь роковую роль для всего развития  искусства XX в., не были отрешением от условностей изобразительного искусства.

Эжен Делакруа – французский живописец. Крупнейший представитель прогрессивного романтизма. Учился в 181622 в Париже. Выступил как смелый новатор с полными напряжённого драматизма картинами на современные, исторические, литературные темы, воплощая в них сильные, мужественные характеры, большие чувства, свободолюбивые идеалы. Внёс в живопись необычайную выразительность цвета, богатство полутонов и рефлексов, свободную, импульсивную манеру письма. Общественным событием становилось появление таких картин Делакруа, как ”Данте и Вергилий”, “Резня на Хиосе”, глубоко жизненная трагическая сцена из борьбы греков против турецкого ига, “Свобода на баррикадах,” в которой символический образ свободы окружён фигурами реальных участников революции 1830 года.

 Романтизм (франц. romantisme), идейное и художественное движение в европейской и американской культуре конца 18 – начала 19 вв. Зародившийся в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения, утвердившийся в эпоху революционной ломки старого миропорядка, романтизм противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости.